Response to Louis Lemaire’s thesis “Does Design Not Desperately Lack Punk?”

I recently stumbled upon this thesis work. It inspired me to write this short response.

Introduction

Louis Lemaire’s thesis (in French) raises a provocative and necessary question: does design today desperately lack punk? Enlisted in logics of performance, reduced to a service role, obsessed with “zero risk,” design seems to have lost the audacity that once gave it strength.

This work is commendable in several ways. First, because it articulates a widespread discomfort in the profession: the sense of an over-optimized, sanitized design practice, detached from its critical potential. Second, because it doesn’t stop at diagnosis: it also proposes pathways forward, notably the creation of labs where exploration and failure are valued.

In this response, I want to congratulate and extend Lemaire’s reflection by framing it through the Trioptic design approach (social, aesthetic, political) and drawing on key theoretical contributions: Foucault on power as production, and Deleuze & Guattari on the capture of desire and lines of flight.

Trioptic Design: a Critical Tool

Trioptic design rests on three inseparable lenses:

• Social: the cultures, relationships, and subjectivities design produces.
• Aesthetic: the forms and sensibilities it makes visible or invisible.
• Political: the power relations and futures it opens or forecloses.

Applied to Lemaire’s thesis, this triptych allows us to move beyond a critique limited to creativity or organizational issues. It shows how design is not only a professional practice but also a vector of social production, a distribution of the sensible (Rancière, 2004), and an instrument of power (Foucault, 1978/1990).

This trioptic lens sharpens and deepens the punk intuition at the heart of the thesis.

1. Social: Beyond the Heroic Designer

The thesis clearly describes a fracture:

• Juniors, trained in business-aligned environments, adapt naturally to KPIs and managerial language.
• Seniors express disillusionment with standardization and loss of meaning.
• The general public continues to see design primarily as cosmetic rather than transformative.

This is a sharp diagnosis, but one that can be enriched. As Foucault argued, power is not only constraining: it is productive. It shapes identities and behaviors. In corporate settings, designers are not merely prevented from taking risks; they are produced as docile subjects: fluent in business language, but discouraged from subverting it.

2. Aesthetic: The Value of Friction

Lemaire’s call to “make risk sexy” and to revalorize creative chaos is powerful. Here, Jacques Rancière helps extend the argument. In The Politics of Aesthetics, he explains that aesthetics determines a distribution of the sensible — deciding what is visible, sayable, thinkable.

Corporations tend to erase friction in favor of smooth, seamless experiences. Design is judged on its ability to reduce bumps, invisibilize effort, and create “frictionless” journeys. But what disappears with this smoothness are the snags that provoke thought: errors, detours, accidents, failures.

3. Political: Avoiding Managerial Capture

The thesis’s central proposition is to create labs where teams can explore without immediate pressure, systematically document what they learn (especially from failures), and embed these lessons into corporate culture. A fertile idea.

But the risk is high. Deleuze & Guattari remind us that capitalism is a machine that captures lines of flight. Radical innovations can be reterritorialized into marketing products, best practices, or showcases of innovation. Meanwhile, Foucault would say that an internal lab can quickly become a normalizing apparatus: a safety valve that channels creativity into controllable formats.

Towards “Punk Labs”: A Counter-Proposal

In this spirit, I propose extending Lemaire’s work with the notion of punk labs:

• Ephemeral: temporary, mobile, resisting institutionalization and capture.
• Open: including social and cultural diversity (users, outsiders, minorities) to avoid insularity and spark truly divergent desires.
• Non-linear: embracing detours, errors, chaos as creative materials.
• Business-friendly framing: positioned as risky assets within an innovation portfolio. Like in investment, nine explorations may “fail,” but a single unexpected breakthrough can outperform the entire set.

These punk labs echo the spirit of punk and anarchism: DIY, temporary, autonomous, always escaping capture. They remind us that design, far from being a tool of optimization, can be an instrument of creative disobedience.

Conclusion

Louis Lemaire’s thesis is a valuable contribution. It dares to pose a radical critique of contemporary design and offers stimulating proposals.

Read through the lenses of trioptic design, and enriched by Foucault and Deleuze & Guattari, we can extend his punk intuition:

• Socially, by seeing design as a producer of subjectivities and seeking spaces of desubjectivation.
• Aesthetically, by valuing friction and snags as legitimate creative materials.
• Politically, by envisioning punk labs that are ephemeral, open, and resistant to capture.

Congratulations to the author for a sharp and necessary thesis. Far from being just an end-of-studies exercise, it is an invitation to collectively reinvent the future of design: a future that, perhaps, must become a little punk again.

Je suis récemment tombé sur ce travail de thèse. Il m'a inspiré cette courte réponse.

Version Française: Introduction

Le mémoire de Louis Lemaire pose une question à la fois provocatrice et nécessaire : le design ne manque-t-il pas cruellement de punk ? Enrôlé dans les logiques de performance, réduit à un rôle de service, obsédé par le “risque zéro”, le design semble avoir perdu l’audace qui faisait autrefois sa force.

Ce travail est louable à plusieurs titres. D’abord parce qu’il met des mots clairs sur un malaise largement partagé dans la profession : l’impression d’un design aseptisé, optimisé à l’excès, et coupé de son potentiel critique. Ensuite parce qu’il ne se contente pas de diagnostiquer : il propose des pistes, notamment la création de labs où l’exploration et l’échec seraient valorisés.

Dans cette réponse, je souhaite féliciter et prolonger la réflexion de Lemaire, en la mettant en perspective avec l’approche Trioptique du design (social, esthétique, politique) et avec quelques apports théoriques clés : Foucault sur le pouvoir comme production, et Deleuze & Guattari sur la capture des désirs et des lignes de fuite.

Le design trioptique : un outil critique

Le design trioptique repose sur trois lentilles indissociables :

• Sociale : les cultures, relations et subjectivations que le design produit.
• Esthétique : les formes et sensibilités qu’il rend visibles ou invisibles.
• Politique : les rapports de pouvoir et les futurs qu’il ouvre ou ferme.

Appliqué au mémoire de Lemaire, ce triptyque permet de dépasser une critique qui resterait limitée à la créativité ou à l’organisation interne. Il révèle comment le design n’est pas seulement une pratique professionnelle, mais aussi un vecteur de production sociale, un partage du sensible (Rancière, 2004), et un instrument de pouvoir (Foucault, 1978/1990).

C’est avec cet outil critique que je propose de relire la proposition punk de Lemaire.

1. Social : au-delà du designer héroïque

Le mémoire décrit bien la fracture qui traverse la profession :

• Les juniors, formés dans des environnements déjà alignés au business, s’intègrent naturellement au langage des KPIs.
• Les seniors expriment une désillusion face à la standardisation et à la perte de sens.
• Le grand public continue d’associer le design à la cosmétique plutôt qu’à la transformation.

Un constat juste, mais qui peut être approfondi. Car, comme l’a montré Foucault, le pouvoir n’est pas seulement contraignant : il est productif. Il façonne les identités et les comportements. Dans les entreprises, les designers ne sont pas simplement empêchés de prendre des risques ; ils sont fabriqués comme sujets dociles, compétents dans le langage business mais peu encouragés à le subvertir.

2. Esthétique : la valeur de la friction

L’appel de Lemaire à “rendre le risque sexy” et à réhabiliter le chaos créatif est puissant. Ici, Jacques Rancière nous aide à élargir la réflexion. Dans La politique de l’esthétique, il explique que l’esthétique détermine un partage du sensible : elle décide de ce qui est visible, dicible, pensable.

Or, les entreprises tendent à effacer la friction au profit d’expériences fluides et lisses. Le design est évalué sur sa capacité à réduire les aspérités, à invisibiliser l’effort, à rendre l’expérience “sans couture”. Mais ce qui disparaît avec cette fluidité, ce sont les accrocs qui ouvrent la pensée : erreurs, bifurcations, accidents, échecs.

3. Politique : éviter la capture managériale

La proposition centrale du mémoire est de créer des labs où les équipes explorent sans pression immédiate, documentent leurs apprentissages, et nourrissent ainsi la culture de l’entreprise. Une idée féconde.

Mais le risque est grand. Deleuze & Guattari rappellent que le capitalisme est une machine à capturer les lignes de fuite. Toute innovation radicale peut être reterritorialisée en produit marketing, en “best practice”, en vitrine d’innovation. De leur côté, Foucault dirait qu’un lab interne est vite intégré comme dispositif de normalisation : une soupape qui canalise la créativité dans des formats compatibles avec le management.

Vers des “labs punk” : une contre-proposition

C’est dans cet esprit que je propose de compléter le travail de Lemaire par la notion de labs punk :

• Éphémères : temporaires, mouvants, ils échappent à l’institutionnalisation et à la capture.
• Ouverts : intégrant une diversité sociale et culturelle (usagers, outsiders, minorités), ils évitent l’entre-soi et font surgir des désirs réellement divergents.
• Non linéaires : ils acceptent bifurcations, erreurs, ratés, chaos comme matériaux de création.
• Business-friendly : présentés comme des actifs risqués dans un portefeuille d’innovation. Comme en investissement, neuf explorations peuvent “échouer”, mais une seule percée peut outperformer toutes les autres.

Ces labs punk rejoignent l’esprit de l’anarchisme et du punk : bricolés, temporaires, autonomes, toujours en fuite. Ils rappellent que le design, loin d’être une fonction d’optimisation, peut être un instrument de désobéissance créative.

Conclusion

Le mémoire de Louis Lemaire est une contribution précieuse. Il ose poser une critique radicale du design contemporain et propose des pistes qui stimulent le débat.

En le lisant à travers les lentilles du design trioptique, et en y intégrant les perspectives de Foucault et de Deleuze & Guattari, on peut prolonger son intuition punk.

• Socialement, en voyant le design comme production de subjectivités, et en cherchant à créer des espaces de désubjectivation.
• Esthétiquement, en valorisant la friction et l’accroc comme expériences légitimes.
• Politiquement, en imaginant des labs punk éphémères et ouverts, conçus non comme services d’innovation mais comme zones autonomes temporaires.

Félicitations à l’auteur pour ce mémoire percutant, qui n’est pas seulement une fin d’études, mais une invitation à réinventer collectivement le futur du design : un futur qui, peut-être, doit redevenir un peu punk.